Ce tableau représente sans doute une étape importante dans le cheminement artistique de Gil.

Sa sensibilité animiste et coloriste est toujours la même, mais là, le traitement graphique atteste d'un courage absolu, d'un dépassement de toute limite. En effet, ce tableau dépasse A LA FOIS le figuratif et l'abstrait. Parce que l'œuvre est A LA FOIS figurative et abstraite (et non pas entre les deux styles), un peu à la manière de la "Porte fenêtre à Collioure"  par Matisse ou comme la majorité des tableaux de Nicolas de Staël.

Or, on sait la difficulté d'une telle exigence (elle a fini par mener de Staël au suicide). Un tableau purement abstrait, comme il en existe beaucoup depuis Kandinsky, est surement plus facile à assumer, psychologiquement, pour l'artiste...

Ainsi, cette "Marche du peuple coquelicot" prend une signification métaphysique.

Le titre de l'œuvre, tout surprenant qu'il paraisse, n'est pas une réminiscence surréaliste, un quelconque jeu de l'esprit ou autre délire "pataphysique".

Il s'agit d'un questionnement profond, résultat naturel d'une déstructuration dont Gil est coutumière, poussée à son extrême : le végétal devient humain et vice-versa.

Ce motif central - qui n'est pas sans rappeler les schémas scientifiques représentant l'évolution de l'homo sapiens - a quelque chose d'hypnotique. Et, afin de renforcer le caractère sacré de cette "suite de silhouettes", un cadre profond, lourd, transforme le tableau en icone.

Comme ces têtes de Christ chez Rouault ou ces bustes de Jupiter chez Moreau, les hommes-coquelicots surgissent des ténèbres.

Que dire de ce tableau ?

Qu'il dépasse tout discours.

On reste sous le choc d'une Présence mi-humaine mi-végétale, figurative et abstraite, primitive et sacrée à la fois, comme devant une icone millénaire ou une fresque pariétale.